Los miserables (2012)

Broadway en tu pantalla.

Los miserables es una película musical dramática basada en la novela de Víctor Hugo. Dirigida por Tom Hooper (El discurso del Rey). Su trama se encuentra localizada en el siglo XIX en Francia, mezclando los conflictos de cada personaje con el contexto histórico. Protagonizada por: Hugh Jackman (X-men), Russell Crowe (Gladiator), Anne Hathaway (Interstellar), Sacha Baron Cohen (Borat), Helena Bonham Carter (El planeta de los simios), Amanda Seyfried (Mamma mía!), y Eddie Redmayne. (La teoría del todo).

Nominada a 8 premios Óscar y ganadora de 3 por las categorías de Mejor sonido, Maquillaje y peluquería y Mejor actriz de reparto para Anne Hathaway por su papel como Fantine. 

Jean Valjean (Hugh Jackman) es un ex-convicto que ha roto la condicional y se ha labrado una nueva vida como alcalde de un pequeño pueblo. El problema surge ocho años más tarde, cuando destinan a su pueblo al inspector Javert (Russell Crowe), el cual enseguida sospecha de la identidad verdadera del alcalde. A esta historia principal, se sumarán las subtramas de cada personaje que se desarrollarán durante 17 años, en un contexto de inestabilidad política, culminando en la Rebelión francesa de Junio.

Son varios los puntos fuertes de esta obra:

• Banda sonora. Las voces de los actores fueron grabadas en directo, aumentando la expresividad y emoción que transmiten. El diálogo es mínimo, las interacciones entre personajes y monólogos son cantados. Las canciones son fieles al musical original, contando incluso con actores partícipes de éste (Samantha Barks es Eponine en ambas producciones, el obispo fue el original Jean Valjean, y la madre de Anne Hathaway hizo el papel de Fantine), por lo que la esencia del musical está presente durante toda la película. La música marca el ritmo de la película.

Jean Veljean original del musical (Colm Wilkinson).

Colm Wilkinson en el papel de obispo durante la película.

• Reparto. Es bien sabida (y reconocida) la capacidad interpretativa de Hugh Jackman, Russell Crowe o Anne Hathaway, pero en esta película han tenido que tensarla al máximo. Personajes muy castigados, con grandes conflictos que deben trasmitir cantando a capella (la música, coros y conjuntos de voces se agregaron en postproducción). Anne Hathaway consiguió el Óscar por su interpretación de Fantine con la canción I dreamed a dream.
• Ambientación. Todos los detalles están muy cuidados. El atrezzo y la escenografía son recursos que apoyan mucho la escena dramática y están muy bien conseguidos. Emplean diferentes tonalidades para reforzar la historia: la escena presenta un tono más frío cuando pretenden resaltar aspectos negativos: la fábrica, la gente que vive en la calle...

Diferenciación de personajes según la tonalidad de sus vestimentas. 

Todos los personajes consiguen provocar ciertas emociones/identificaciones en el espectador, por lo que es muy probable que por uno u otro lleguemos a emocionarnos. Cada personaje abarca un conflicto distinto: el amor no correspondido, el espíritu de lucha estudiantil, el sacrifico materno, el primer amor, injusticias sociales...

Un recurso muy utilizado para marcar el paso de tiempo es llevar la cámara al cielo, y hacer una panorámica en picado que termina con un primer plano. Durante el filme también podemos encontrar multitud de planos bastante peculiares: sitúan al personaje en una esquina y dejando mucho espacio de aire. (En las siguientes imágenes también podemos apreciar el tratamiento de colores).

One day more, I dreamed a dream, Do you hear the people sing? y Look Down podrían ser las canciones que más destacan de toda la película, convirtiéndose en icónicas. Es una película con mucha personalidad y una estética propia que la ayuda a diferenciarse del resto de producciones de la misma temática. Tiene una gran capacidad emotiva, capaz de llegar a la sensibilidad de casi todo el mundo. Críticas generalmente favorables

Más que una película, un espectáculo.
Una maravilla visual y sonora.

No dejará indiferente a nadie.

Critica realizada por María Elena Fernández.

"Donde viven los monstruos", para adultos que siguen siendo niños

Cuando el sinsentido cobra sentido, cuando no tratas de entender la película es cuando la entiendes.
Una película en la que tienes que tener una mente más adulta pero sin haber perdido ese espíritu infantil, así es la adaptación de Spike Jonze del cuento infantil de Maurice Sendak.

Con una fotografía increible y unos paisajes que harán que de verdad quieras viajar a donde viven los monstruos. 
Spike Jonze y Dave Eggers, partiendo de las pocas líneas con las que cuenta la historia de Sendak, han sabido darle un transfondo psicológico a la película en la que retratan la inmadurez del niño.
En la que cada monstruo representa una parte de nuestro interior y en los que el protagonista puede verse reflejado a él y a las personas con las que vive en el mundo real.
La necesidad de sentirse rey de todo lo que nos rodea, el ego, los celos, la incomprensión y todos esos sentimientos que han formado parte de nuestra infancia y que nunca se irán para siempre.

Todas esas facetas que tenemos tan diferenciadas que hay que desarrollar y unir para dar lugar a nuestra personalidad ya forjada y la necesidad de combinarlas para dar lugar a una estabilidad psicológica adulta.

La estética muy acertada, la recreación de los personajes y ese mundo en el que tiene lugar la historia, inmejorable. El ritmo es lento, en ocasiones quizás demasiado lento, pero necesario para lograr abstraerse un poco del mundo real.

El sonido, la música y la iluminación también están impecables. Todo encaja perfectamente en una película en lo que lo más importante es su sencillez y belleza. En definitiva, ese ambiente de cuento tan bien logrado.

El resultado de todos estos factores es una especie de videoclip indie mezclado con ese cuento que es la película. La historia te puede gustar más o te puede gustar menos pero no se puede negar que la realización del film está muy bien lograda.

"La mejor juventud", 366 minutos que pasan volando

Como la propia juventud, antes de empezarla parece mucho tiempo y llegas al final sin darte cuenta.
Y es que si hacer 5 minutos de buen cine es muy dificil, 366 minutos es algo complicadísimo y que sin duda, esta película consigue hacer. Cada plano, escena, secuencia...todo está perfectamente hilado y construido para que con el paso de los minutos, te sientas uno más de la familia y vivas las alegrías y las tristezas desde muy dentro.

"¿Por qué las cosas feas nos parecen naturales y las hermosas nos cuesta tanto creerlas?" 

Una de las muchas frases que tiene la película para hacerte reflexionar, reflexionar sobre la vida. 

Porque es una pelicula que trata de la vida, es una película que tiene vida y es una película que es vida.

No ver la película por su duración es un fallo enorme, más aún cuando somos capaces de ver diez capítulos seguidos de nuestra serie favorita en un solo día. Ver la primera parte, (que únicamente es el planteamiento), pensar que es un rollo y no ver la segunda, es el segundo gran fallo. Ya que en la segunda es donde se ve todo el resultado de toda la primera parte y mucho más que aún no nos han contado. 

El único consejo que daría es que hay que verla con calma ya que puede que tarde en atraparte, en una de esas tardes de lluvia o sin ella, en la que el mejor plan posible es ponerse una película y dejarse llevar.

Tema realización, no hace falta decir que "La meglio gioventú" no es una superproducción americana y por lo tanto, no cuenta con dichos medios. Pero es que no hacen falta, lo único necesario para contar algo tan natural como la vida misma son unas interpretaciones magistrales y una historia muy cuidada y muy bien llevada. Ya el hecho de enseñarnos 40 años de la historia de Italia a través de sus personajes, tiene un mérito enorme. Sobre todo, tratándose de personajes tan bien construidos.

Si a eso además le añadimos los paisajes de la Toscana, Sicilia, Roma o Noruega; visualmente no podemos pedir más aunque técnicamente el uso de la fotografía te parezca mejorable.
El "tempo", perefectamente llevado para que nada decaiga durante las 6 horas de duración, todo narrado linealmente y sin tener que utilizar recursos como el "flashback".
La banda sonora, aunque no es original, es otro de los aciertos del film.

Los temas: El paso del tiempo; bello y poético pero a la vez triste, melancólico e irremediable. Y la familia; lo más importante de la vida y en muchas ocasiones, lo único verdaderamente importante.

 

El poder que tiene la película para hacerte llorar sin caer en los tópicos o para alegrarte sin que sepas muy bien el por qué, no es algo que ocurra en muchas ocasiones. Algo parecido a lo que sucede con otras cintas y no es casualidad, también italianas.

Se podría decir que estamos ante el "Novecento" del siglo XXI y con toques de "La vida es bella". Algo que era tan grande para la pequeña pantalla (inicialmente era un proyecto de serie con varios capítulos para la televisión), que era inevitable que acabara en la gran pantalla.

Al igual que no he podido evitar que esta crítica sea, más que cualquier otra cosa, una recomendación.

"La vida de Adèle", un azul pasión

El mérito principal de "La Vida de Adèle", es que Kechiche te empieza contando la vida de una completa desconocida y acabas conociéndola por completo. Gran parte de ese mérito lo tiene la hasta entonces también desconocida, Adèle Exarchopoulos, que no puede hacer mejor ese papel que lleva su nombre.

Lo mejor de la película no es lo que te cuenta, es el cómo te lo cuenta, que desde el punto de vista de la realización, es lo que más nos importa.

Kechiche se salta una de esas reglas del paradigma clásico del cine (si es que hay que poner reglas en el cine) al hacer un uso continuo de primeros planos y planos detalle. Eso sí, lo hace de manera totalmente justificada, lejos de ocasionar el exceso es perfecto para lo que quiere transmitir. Todos esos planos detalle de la boca, los labios, las manos, la boca, las orejas, la nariz, la boca, los ojos, la boca...
Esa sensación de no necesitar un plano general para contextualizar el escenario, porque no nos importa. Durante toda la película nos da la sensación de que Adèle y Emma se miran, no existe nada mas.

Por momentos, es como si pudieses vivir tú mismo la vida de la protagonista. Estámos tan cerca de ella y "tan pegados" durante toda la película que llegamos a ser Adèle. Desde que se despierta hasta que se acuesta seguimos con ella y los planos en los que no aparece, son casi inexistentes.

Lo que te dice Adèle no te lo dice con palabras, te lo dice con sus gestos, su pelo, sus labios y con esos planos en los que podemos ver todo de ella. Una belleza perfecta dentro de la imperfección, no hay maquillaje y no se echa en falta, toda esa naturalidad es la gran magia que tiene la película.

Aunque la película se centra por encima de todo en el personaje de Adèle, "La vida de Adèle" no sería la misma sin ese toque azul tan importante que pone Léa Seydoux. Otro de los grandes logros de la peli, es que sabe retratar perfectamente esas dos personalidades que se complementan pero que son increiblemente diferentes. Adèle vive por y para su pareja dejando en un segundo término el resto de cosas, Emma en cambio, busca un equilibrio entre todas las cosas que son importantes en su vida.

De los 180 minutos que dura la película, no sobra ninguno, ya que cada minuto cuenta para conseguir meterte dentro, conocer completamente al personaje y además, dejarte con la expectativa de un final que no ha llegado pero que llegará.

"Dallas Buyers Club"; exprimiendo la vida

'Dallas Buyers Club' es la historia de una persona. 
Ron Woodroof, un hombre todoterreno, entregado a una causa sin pretenderlo, y a la vez redimido por ella. El antihéroe de toda la vida, vamos. 
Y qué suerte contar con McConaughey para darle vida.

Toda la historia viene de él, o más bien habría que decir provocada por él. 
Por su lento despertar primero, por su firme determinación después. Si hay algo que ambos momentos comparten es su espíritu luchador, a cualquier precio, contra una enfermedad que ni él ni el país acababan de comprender del todo.

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'Blue Jasmine'; análisis de la Ignorante

Todo sea dicho, las risas del público cada vez las entiendo menos. 
No es que reírse en una película esté mal, cada cual opinará lo que quiera, pero cuando la nueva historia de Woody Allen empieza y vemos a una Cate Blanchett desmoronada contando su vida entera a quien la quiera escuchar, y el público ríe, uno se pregunta si de verdad están entendiendo la desgracia de esta mujer inútil (y si de verdad no tendrán el mismo pensamiento que ella). 
Allen convierte 'Blue Jasmine' en el reino de la sonrisa congelada, y en reírme de esta colección de hipócritas sería en lo último en que pensaría.

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