15.12.19

The Beauty Inside


The beauty inside (La belleza interior), así se titula la película que en más de una ocasión  me habían recomendado, pero que, aún así, me negaba a ver hasta hace poco. Esto es debido a que los espectadores, aunque amantes del cine, podemos llegar a cometer el error, de como se dice comúnmente, juzgar un libro por su portada, ya que es cierto que lo que este título trasmite es que se trate de un añadido más a la colección de películas  que concluyen con que las apariencias no son importantes y que la verdadera belleza reside en el interior, y así puede ser, pero erróneo sería prescindir de esta película o cualquier otra solo por el mero hecho de creer saber de antemano el mensaje que pueda transmitir y dar por hecho que ya sabemos lo que nos puede ofrecer. Así que tras darle una oportunidad, pude disfrutar de una original historia que se presenta de forma realmente  interesante, puesto que el rol del protagonista de este filme es interpretado por un elevado número de actores, algo verdaderamente destacable. Dicho esto daré paso a exponer la trama de esta peculiar historia.
La película del director Baek Jong-Yeol basada en el libro “Cada día” de David Levithan  y de la cual se espera un remake estadounidense, narra la historia de Woo Jin,  un diseñador y fabricante de muebles que vive con una extraña condición, despertase cada día en un cuerpo diferente como bien explica en los primeros minutos de la película: “Hombre, mujer, anciano, niño, y a veces, un extranjero. Cada mañana me despierto con una cara diferente. Mi visión y  voz varían y tengo que ajustarme a eso cada mañana”. Con esto se expone lo que parece ser el principal conflicto de la trama, ya que como es de esperar,  esto le acarrea todo tipo de dificultades. Sin embargo, con el paso del tiempo, Woo Jin consigue acostumbrase a esta condición con la ayuda de su madre y su único amigo Sang Baek y sigue su vida intentado hacer lo que todos los demás. 
Pero el verdadero conflicto llega cuando aparece Yi Soo, una amable dependienta de una tienda de muebles, de la cual se enamora. A partir de este momento, Woo Jin se da cuenta de las verdaderas dificultades que lleva consigo su condición, no solo por la dificultad de conseguir ser correspondido, si no por la complicada tarea  de lograr proteger una relación sentimental.
Esta película es un drama de fantasía y romance, con un toque de humor que permite a los personajes respirar y convivir con sus conflictos interiores más fácilmente, caracterizada por ser cálida en todos los aspectos.
La historia se presenta de forma lenta, con un ritmo pausado pero conciso y con una banda sonora de las mismas características que lo acompaña a la perfección. 
En cuanto a la fotografía, la película se caracterizada por poseer una luz cálida  en casi todo momento, desde los reflejos del sol que se postran sobre los personajes en los amaneceres, hasta los rayos de luz provenientes de lámparas que los iluminan durante la noche; todo ello acompañado por una tonalidad de colores oscuros pero armoniosos, destacando el marrón de la madera que compone la mayoría de las escenas de la película.



En la película abundan los planos cerrados y  primeros planos que detallan las expresiones y sentimientos  de los personajes, especialmente el personaje de Yi Soo, con el cual se consigue crear un acercamiento y comprensión del mismo, mostrando en detalle las expresiones de sus sentimientos. Quizás este personaje sea el que más calidez le otorga a la película y quizás también con el cual mas se sufre. Si bien es Woo Jin el que vive su vida bajo esa condición, Yi Soo es la que debe lidiar con el peso de ofrecerle su total comprensión a la vez que asumir ser juzgada por los que la rodean .

Han Hyo Joo  hace una magnífica interpretación de una Yi Soo caracterizada por una conmovedora sonrisa que  mantiene con perfecta sutileza, tanto en los momentos felices junto a Woo Jin, como los momentos de más confusión, pero, a que pesar de ello, logra expresar cómo se siente realmente en cada situación gracias a la expresión de su mirada.



Lo mismo sucede con  Woo Jin, se nos muestran con detalle las expresiones, los gestos, las miradas que realizan los distintos intérpretes que caracterizan al personaje. 
Y aunque en ocasiones podamos sentir cierta confusión, ya que a este dan vida un importante número de actores y actrices de los cuales algunos, por factores como el género o la edad puedan desentonar con el personaje, lo cierto es que en la mayoría de ellos podemos ver a Woo Jin  identificado únicamente a través de su  personalidad. Esto último le añade sumo interés a la película, pues es impresionante poder darse cuenta del poder  de las expresiones, los gestos, las miradas, las palabras, es decir, de la presencia interior.
Para finalizar, me gustaría resaltar la idea mencionada al principio del texto, y es que The beauty inside refleja a su manera las dificultades por las que pasan todas aquellas personas ante la  incomprensión de los demás, pero que llama a mantener ese rayo de esperanza que en ocasiones ilumina cuando menos lo esperamos.

5.12.19

Billy Elliot



Billy Elliot es una película británica de género dramático, dirigida por Stephen Daldry y estrenada en el año 2000. Fue nominada a 3 premios Óscar y ganadora de 48 premios, por lo que podemos asegurar que estamos ante una exitosa película.













Nos cuenta la historia de un niño apasionado que su único y principal deseo es aprender danza clásica, siempre acompañado de su profesora. Esto no va a ser fácil para él, ya que numerosos obstáculos sociales se le ponen por delante y trata de superarlos.

La película está protagonizada por Jamie Bell, un actor con más de una faceta: también es bailarín. Jamie creció con esta película, pues fue el detonante para darse a conocer y que le surgieran más oportunidades como actor. Además, ganó el premio BAFTA al mejor actor por dicha película. A día de hoy, lleva un largo recorrido cinematográfico. 
Billy pertenece al Condado de Durham (comunidad minera del Reino Unido), un lugar donde las huelgas y enfrentamientos son constantes. 
El contexto en el que se sitúa está película es alrededor de los años 80, una época donde la tolerancia y la libertad sexual no está del todo normalizada, y menos en un poblado de poquísimos habitantes, por lo que se pierde intimidad al conocerse todos con todos, y es ahí donde empiezan a implantar las etiquetas sociales a las personas que se salen de la norma.
Pues, Billy no ha tenido una vida muy tranquila durante los 11 últimos años, ya que la pérdida de su madre le ha marcado un antes y un después. Además, también tiene que cuidar de su abuela que cuenta con la enfermedad del alzheimer.
Un día cualquiera, pasa de entrenar boxeo en el gimnasio, a querer dedicarse al ballet. Billy posee de muchas ganas y fuerzas para conseguirlo, aunque su familia se oponga rotundamente a esta decisión. Afortunadamente, cuenta con el apoyo de su mejor amigo: Michael. Contará con una profesora que estará dispuesta a ayudarle y enseñarle: la señora Wilkinson. 
Y es a partir de este momento, que los prejuicios de la sociedad aparecen, obligando a Billy a paliar contra los estereotipos marcados por mentes cerradas de un pueblo minero y de toda una sociedad.


De acuerdo con el personaje principal y a modo de análisis cabe decir que Billy es un niño que únicamente busca su propia libertad. Por desgracia, tiene que enfrentarse a los prejuicios y normas establecidas por una sociedad que piensa que el ballet es solo de chicas.

La suerte que tiene Billy es que en ningún momento ha dejado de intentar conseguir su sueño únicamente porque otras personas no estén de acuerdo con ello, pues, cuenta con una marcada personalidad, aunque le cuesta manejar la presión social. Aún así, siempre se ha dejado llevar y se ha arriesgado sabiendo lo que esto conllevaría.

Al final, se acaba imponiendo y consigue tanto el éxito personal, como profesional. Billy Elliot se convierte en una figura influyente lanzando el mensaje de que con constancia, dedicación y mucha lucha, finalmente acabas creyendo en ti mismo y sobre todo, siendo tú mismo. Esa es la clave del éxito.

Como conclusión, Billy alude al logro de la perseverancia y dedicación, desde lo real, sin incluir personajes ideales, sino totalmente humanos y verosímiles. En definitiva, es una situación real que muchas personas viven hoy en día y que tratan de luchar contra toda dificultad.


En cuanto al lenguaje cinematográfico de la película, cabe destacar algunos aspectos importantes.

En un primer lugar, todas las imágenes que se muestran en el film, tienen un significado y además toda la historia va transcurriendo mediante cierto estilo musical. Tanto las imágenes como las canciones que se muestran, siempre nos quieren decir algo, lo que hace que la película tenga gran carga emocional. Un ejemplo muy claro sería en el momento que la profesora de Billy le cuenta la historia del "Lago de los cisnes", pues la canción que suena de fondo refleja un momento de la vida  dela señora Wilkinson, en el que eligió mal al casarse con su marido: "Solo es un cuento de fantasmas" afirmó al final, refiriéndose a los fantasmas del pasado.

Por otra parte, un recurso narrativo muy habitual en "Billy Elliot" es la utilización de la elipsis, es decir, suprimir ciertos tiempos que van ligados al discurso fílmico. Por ejemplo, esto ocurre cuando la señora Wilkinson le corrige en la clase de danza, finaliza la clase y pide a su hija que cobre a los clientes. De repente, vemos a Billy ya vestido con su ropa de calle, andando hacia su casa. Por tanto, se ha suprimido la escena de Billy cambiándose y saliendo de la escuela de danza.

En referencia a los planos utilizados, suelen ser bastante cuidados, trabajados, implacables y con una composición bastante alineada, basándose en una línea horizontal que se encuentra al final. Además, encontramos multitud de planos generales con gran carga emocional:

La siguiente fotografía es extraída de la película. Son Billy y su profesora en el gimnasio, la luz natural en un segundo término, dejando que ambos estén a contraluz y creando una increíble atmósfera llena de intimidad.


Aquí también podemos apreciar la importancia que tienen los planos generales en esta película, con un horizonte bien claro al final, tanto el espacio con líneas rectas, como las niñas de detrás agrupadas también de una forma alineada, al igual que Billy y la profesora.


Otro recurso fotográfico es el aire que dejan en los planos, dejando el espacio de alrededor completamente vacío, pero a su vez, teniendo gran carga emocional y dándole un toque muy peculiar y especial.

Este es un ejemplo, a penas se ve a los personajes, y de esta forma, lo que más destaca es el cielo nublado.

Por otro lado, los planos picados, es decir, realizados desde arriba del todo, son muy frecuentes. Normalmente los planos cenitales o picados, tienen un significado y es que, reflejan inferioridad en la persona que estamos enfocando. Sin embargo, los contrapicados o hechos desde abajo, muestran la superioridad del personaje.

En esta fotografía, vemos a Billy subiendo las escaleras, mostrándonoslo bastante inseguro, ya que en ese momento se estaba dirigiendo a una prueba de danza del Royal Ballet.


También son muy usuales en la película las paredes, y siempre con gran significado. Por ejemplo, una pared desgastada nos va a mostrar un momento de cansancio mental de Billy, u otro sentimiento negativo. En cambio, una pared más colorida, intensa, luminosa, va a reflejar todo lo contrario: Billy con una actitud positiva.


Al contrario:

De acuerdo con el ritmo de la película, es bastante dinámico ya que está todo el tiempo dirigido por el movimiento corporal que trae la danza. Billy, no se expresa mediante el lenguaje, sino con su cuerpo y movimiento. Por lo que el protagonista no posee una gran riqueza en el lenguaje ni tiene mucho discurso, todos sus sentimientos (felicidad, tristeza, rabia, ansia) lo expresa mediante la danza. Por ello, cuando los obstáculos se le anteponen en su vida, él se rebela bailando y de hecho, así lo expresa a su familia, sin palabras y bailando.
En este enlace podemos ver el momento en el que Billy le muestra a su padre su pasión hacia la danza.
https://www.youtube.com/watch?v=R5DTkZazSaw

Como conclusión, "Billy Elliot" es una película digna de ver, que muestra un gran aprendizaje para todos los públicos, pues enseña a luchar contra los prejuicios y estereotipos que existen en una sociedad como la de hoy en día. Aunque la película esté contextualizada en los años 80, no significa que este hecho ocurriese únicamente en aquella época. Error. En pleno 2019 y siglo XXI estas cosas siguen pasando, y por ello la película intenta enseñarnos que tenemos que ser nosotros mismos, con una autoestima positiva, superar dificultades, y resistir. El género no importa, y por ello "Billy Elliot" cuestiona una sociedad patriarcal o masculina, donde se segregan a las hombres y a las mujeres con símbolos que caracterizan a cada uno, es decir, roles definidos entre los diferentes sexos. Por ello, la historia está narrada con mucha sensibilidad y aludiendo siempre a la constancia, dedicación y perseverancia.

22.11.19

Mother!


Mother!
“Mother!” es una película simbólica de Darren Aronofsky estrenada en el año 2017.  Darren es un director y guionista de cine nacido en Brooklyn el 12 de febrero de 1969, es decir, actualmente, tiene 50 años. Se le conoce por el simbolismo y surrealismo llevado a cabo en cada una de sus creaciones siguiendo una línea de psicología perturbadora. Una de sus películas que marcó un antes y un después fue “Réquiem por un sueño” estrenada en el año 2000 y que todavía sigue dejando huella en los espectadores de hoy en día.

Su última creación ha sido “Mother!”, estrenada en el año 2017, de unos 120 minutos de duración. Está protagonizada por Jennifer Lawrence y Javier Bardem como principales y por Michelle Pfeiffer, Dhomhnall Gleeson y Ed Harris como secundarios. Se trata de un relato metafórico que abre al espectador muchas puertas para reflexionar sobre el qué está ocurriendo realmente, del cual sacar nuestras propias conclusiones. Transmite tal terror psicológico y dramatismo que muchas personas no la entenderán a la primera.

Cuenta la historia de una mujer y su marido que viven en una mansión. Este lugar está siendo reconstruido por ellos mismos después de haber sufrido un incendio.  Ella cuida bastante la casa y se obsesiona con tenerlo todo perfecto. Él es escritor y está en ese proceso de búsqueda de musas. La convivencia de ambos es extraña, pero, se ve mucho más cambiante y alterada con la llegada de un señor a la casa. Por sorpresa, su marido empieza a permitir que ciertas personas desconocidas entren. Hecho que ella no llega a entender y que cada vez le desquicia más.  

Repito que esta película es una auténtica metáfora ya que hace referencia al Antiguo Testamento de la Biblia. Nunca llegamos a saber los nombres de ningún personaje, pero Javier Bardem hace referencia a Dios siendo un escritor famoso al que todo el mundo conoce y admira. Jennifer Lawrence hace referencia a la Madre Naturaleza, de ahí su obsesión con cuidar la casa.


Los personajes secundarios reflejan personajes del Antiguo Testamento encuadrando y dando sentido a toda la historia. 

Otro tema que trata son las consecuencias que atrae la fama y cómo condiciona ésta la vida del artista: cómo lidiar con la prensa, la pasión desmedida de los fans…


Tiene una estructura narrativa que termina en una brutal locura y perturbación haciéndonos sentir dentro de una pesadilla. Este mismo efecto, Aronofsky, lo lleva a cabo en otras películas como, por ejemplo, “Cisne Negro” tomando referencia de una de las creaciones de Roman Polanski “La Semilla Del Diablo”.

La banda sonora la pone Jóhann Jóhannsson haciendo un trabajo impecable. Aunque si tengo que destacar un aspecto que realmente me impresionó fue la peculiaridad de la fotografía llevada a cabo por Matthew Libatique.



Un rasgo a destacar es el ritmo de la película y los momentos de silencio que la invaden. Son críticos para transmitirnos todo ese pensamiento psicológico perturbador que nos hace sentir que estamos sumergidos en una pesadilla. Ya sabemos cómo es nuestro querido Aronofsky, y es que termina violentándolo todo.

A pesar de que fue una película bastante criticada en el festival de Venecia, me pareció una obra de arte en todos los sentidos.

9.10.17

'La llamada' se siente también en el cine



El fenómeno teatral que llena el Teatro Lara desde hace cuatro años llega a la gran pantalla. La historia de dos adolescentes fans del reggaetón que pasan el verano en un campamento cristiano está teniendo en el cine el mismo éxito que hizo a muchos seguidores volver una y otra vez al teatro. Es la protagonista la que siente la llamada de Dios, quien se le presenta cantándole canciones de Withney Houston. A partir de ese momento es cuando surge el convincente desarrollo de los hechos -que basa su fuerza, sobre todo, en unos diálogos muy naturales-, los divertidos números musicales, el nacimiento de un amor inesperado y la crítica implícita del discurso.

Javier Calvo y Javier Ambrossi son los directores y guionistas de La llamada, que comenzó representándose en el hall del Teatro Lara con el apoyo de los amigos y la familia. Sobre las tablas han sido varias las actrices que, durante los cuatro años que lleva en cartel, han dado vida a las protagonistas de esta historia. Sin embargo, las encargadas de trasladar el musical a las salas han sido algunas de las que originariamente interpretaron esos papeles y cuya complicidad es evidente en la película: Macarena García (hermana de Ambrossi) como María, en el papel protagonista sintiendo la llamada; Anna Castillo (ganadora el pasado año del Goya a Actriz revelación por El olivo) como Susana; Belén Cuesta como Milagros, la monja más indecisa; y Gracia Olayo como Sor Bernarda, la religiosa más dicharachera.

Los directores de la película junto a las actrices protagonistas
La obra teatral se transforma en largometraje sin apenas haber introducido cambios en el texto original. Aunque en la película se puede ver alguna secuencia novedosa, la esencia de la historia no cambia en absoluto y la mayoría de momentos cumbre de la película son perfectamente reconocibles con la experiencia vivida en el teatro (para quien haya disfrutado de ambas versiones). A pesar de no haber aprovechado el salto al cine para introducir alguna novedad que enriqueciera la historia, sigue siendo igualmente recomendable acudir a disfrutar de ambos espectáculos.

Los directores debutan con este proyecto en el cine, pero no esta no es su primera obra. La serie Paquita Salas fue su primer proyecto audiovisual, una apuesta rompedora que no tardó en triunfar. Protagonizada por Brays Efe (quien tiene una fugaz y casi imperceptible aparición en la película de La llamada), muchos no dudan en calificarla directamente de perfecta, de hecho, sigue cosechando éxitos y acaba de llegar a Netflix. Isabel Coixet dice de Paquita Salas que es "la mejor serie que se ha hecho en este país desde que se inventó la tele", y eso sin que prácticamente apareciera en la televisión, pues se estrenó en Flooxer.

Fotograma de 'La llamada' con Belén Cuesta y Anna Castillo
La llamada es también el título de la canción de cabecera, compuesta por Leiva especialmente para la película y que, como parece ocurrirle a todo lo que rodea esta historia, también está siendo un rotundo éxito. El resto de la banda sonora la conforman canciones de Whitney Houston (interpretadas por Richard Collins-Moore, es decir, por Dios); el éxito del electro-latino Mi reina de Henry Méndez; y alguna que otra composición hecha para la obra. Sin duda esta es una película rompedora, divertida, juvenil y desenfadada que devuelve el musical a la gran pantalla y que ilumina a todos con su colorida puesta en escena.

Ángela Fernández de Diego

Etiquetas: , , , , , , , , ,

10.11.16

Room (La habitación)



La habitación, título adaptado del original Room, que a su vez es una adaptación del libro con el mismo nombre de Emma Donoghue. Dirigida por el irlandés Lenny Abrahamson y protagonizada por Brie Larson.

Este film está dentro del género drama,  ya que su trama principal es el dolor y la angustia que sufre una mujer por estar secuestrada, y el hecho de haber tenido un hijo con su secuestrador lo hace aún más dramático, el cual hace cambiar su situación y hacerla un poco más amena pues se convierte en su mayor felicidad. No solo es el sufrimiento de ellos dos, sino la de toda su familia que ha tenido que vivir con el dolor de su desaparición. 

Pero a su vez se puede clasificar también como género de suspense, aunque a decir verdad el suspense es solo durante el primer tercio de la película ya que el espectador no sabe muy bien que es lo que ocurre, que hace en esa habitación y porque el niño piensa esas cosas acerca del mundo, aunque los más astutos es posible que se den cuentan desde el primer momento.

En mi opinión es una de las mejores películas que se han estrenado este 2016. Y me parece poco lo que se ha comentado sobre esta película. Es de esas películas que te consiguen transmitir y llenar de emociones. Lenny Abrahamson consigue su objetivo y el público logra empatizar con el personaje principal, y ponerse en su lugar. La figura del niño lo hace más tierno y consigue un mayor impacto. 


Pues el niño sufre “el mito de la caverna de Platón” pues nunca ha visto la realidad, ni el mundo y tiene una dependencia hacia la habitación pues es el único lugar que conoce. Me parece que está muy bien realizado el momento el que el niño consigue salir al exterior, como tiene miedo a todo y como poco a poco se va acostumbrando a su nueva vida.



Esta película a pesar de que no es muy conocida o por lo menos en España, ya que en la mayoría de casos con los que he comentado la película no la conocían, no sé muy bien cual ha podido ser el motivo de esto, ya que es una película bastante galardonada con muchas norminaciones, entre las que destacan los 4 Oscar y ha consigo premios como:el Oscar a la mejor actriz, Globo de Oro a la mejor actriz-drama, dos premios de la Crítica Cinematográfica, premio del Sindicato de Actores, BAFTA a la mejor actriz y dos premios Independent Spirit.

“El mundo es como un planeta TV, todo al mismo tiempo. Así que no se hacia dónde mirar y que escuchar. Hay puertas y más puertas. Y detrás de cada puerta hay algo dentro. Y otras salidas. Y las cosas pasan, pasan y pasan y nunca se detienen. Además... El mundo siempre cambia de brillo y de calor. Y hay gérmenes invisibles flotando por todos lados. Cuando yo era pequeño, sólo sabía cosas pequeñas pero ahora que tengo 5, lo sé todo.” 

Leyre Nombela Henche

1.11.16

Buried (Enterrado)

Buried (Enterrado) (o de cómo dar tensión a 95 minutos de metraje).


Esta película, estrenada en 2010, es una coproducción española-americana de esas que ayudan a derribar clichés sobre el cine en nuestro país. Nos cuenta la historia de Paul Conroy (Ryan Reynolds), un transportista norteamericano en Irak secuestrado y enterrado vivo con poca ayuda más que la de un móvil y un mechero.
Buried es arriesgada por la complejidad de su simpleza. Parte de una premisa: un único actor y un único escenario. Debido a esto, la primera dificultad que se plantea es ¿cómo salvar este film sin hacerlo tedioso? Pues bien, Rodrigo Cortés, su director, nos da una lección de que esto es posible, pero para ello requiere de un enorme esfuerzo de planificación que puede pasar desapercibido a ojos del espectador.

¿Cómo ha logrado su propósito? Al aparecer un solo personaje es fundamental que su interpretación no decaiga. Si la única actuación presente, si este hilo conductor falla, toda la obra se viene abajo. Pero Ryan Reynolds cumple su función con creces, lo que sorprendió gratamente al público en el momento de su estreno, pues la trayectoria del actor no parecía describirle como el idóneo para el puesto.
Siguiendo con la línea de la interpretación y metiéndonos en el área de la banda sonora: las voces, los suspiros, las respiraciones y los gemidos parecen ser otro de sus puntos álgidos, pues suman a la hora de mantener al espectador enganchado a la pantalla.
El otro gran factor a tener en cuenta es la fotografía y la iluminación. ¿Cómo realizar tanta variedad de planos en un espacio tan reducido? Quizás son de lo más llamativo, puesto que prácticamente no alteran la percepción del tamaño del escenario y no se tornan aburridos ni repetitivos. A esto hay que añadir el ingenioso ejercicio llevado a cabo para iluminar el habitáculo por vía de elementos diegéticos tan rudimentarios y sin que las sombras generadas entorpezcan o distraigan al espectador.

Investigando un poco la película, llama poderosamente la atención que el guion (de Chris Sparling) fue extraído de la Blacklist de Hollywood, la lista con los mejores guiones no producidos por parecer demasiado complicados o pretenciosos de grabar. Punto a favor para todo el equipo de producción y para Cortés por atreverse con este trabajo; y punto a favor para el cine, que consigue llevarse una obra muy interesante a las estanterías culturales.
Buried, además, es un thriller dedicado a la reivindicación: el absurdo de la burocracia, el cómo la nación y las empresas pueden anteponer su imagen a una vida humana. Toda esa pérdida de tiempo nos consume, igual que consume la batería de un móvil que le puede otorgar la libertad al protagonista.

El conjunto del film hace que el espectador pueda perdonar algunas carencias y escenas algo inverosímiles, pero que se pasan por alto para llegar a un desenlace completamente absorbente y tan bien atado que deja sin habla una vez acabada la proyección.